« Les p’tites Michu », les deux font la paire


En cette fin d’année bizarre et morose, le théâtre de Caen apporte un souffle salutaire de gaieté en accueillant « Les p’tites Michu ». Remise au goût du jour par la compagnie Les Brigands, cette opérette signée par André Messager (1853-1929) est comme une friandise pétillante. Musicalement, scéniquement, tout fonctionne à merveille en préambule à l’an neuf.

Un amoureux pour deux « sœurs »… Cupidon va remettre de l’ordre dans tout ça. (Photo NP Stefanovitch).

Tout part de l’impair d’un père. Les Michu, qui viennent d’avoir une petite fille, ont en charge une autre enfant du même âge. Ce bébé, dont la maman est morte en couches, leur a été confié par leur père, le marquis des Ifs. En sortant les petites filles de la baignoire, où il les a mises ensemble, Monsieur Michu est incapable de distinguer l’une de l’autre !

Marie-Blanche et Blanche-Marie passent dès lors pour deux sœurs jumelles. Sur ce canevas gémellaire (j’aime l’air), source de quiproquos amoureux, les librettistes Albert Vanloo et Georges Duval ont troussé une histoire savoureuse. Elle a séduit le compositeur André Messager. Sa musique a contribué au succès des « P’tites Michu », dès sa création, en 1897, aux Bouffes du Nord. Des Brigands, on avait pu apprécier sa version loufoque des « Chevaliers de la Table Ronde » d’Hervé, il y a un an dans ce même théâtre de Caen. La compagnie poursuit son exploration du répertoire lyrique léger avec le concours d’Angers-Nantes Opéra et de la Fondation Palazezetto Bru Zane. De l’ouvrage de Messager, Thibault Perrine a réalisé une transcription pour dix chanteurs et douze instrumentistes.

Nul doute qu’elle est fidèle à l’esprit des auteurs guidés par un souci de fantaisie. On est certes hors la période post-révolutionnaire dans laquelle se situe l’opérette à l’origine. L’option du metteur en scène Rémy Barché n’en reste pas moins convaincante dans un temps plus ou moins défini, enveloppé par un univers de couleurs pastel. Il se déroule comme les pages d’un  conte illustré par les délicieux dessins de Marianne Tricot. Projetés en vidéo, ils accompagnent l’action depuis un générique jusqu’au mot « Fin ».

Les deux inséparables Marie-Blanche et Blanche-Marie sortent de l’adolescence quand les premiers émois les mettent en rivalité. Leurs cœurs battent pour le fringant Gaston Rigaud, capitaine de son état (ah, le prestige de l’uniforme). Par ailleurs, il y a Aristide. Le commis des Michu, qui tiennent boutique (beurre, œufs, fromages) aux halles de Paris, se consume pour l’une et l’autre jeune fille sans pouvoir arrêter son choix.

Le retour du marquis, devenu général, ajoute à l’embarras des Michu. Le militaire vient récupérer sa fille qu’il destine… à Gaston. Qui de Marie-Blanche ou de Blanche-Marie est Irène des Ifs ? Pas besoin d’ADN. Le déterminisme social va finalement recadrer les choses. Marie-Blanche est plus à l’aise comme épicière. Elle se révèle aussi une généreuse fine mouche. En quelques transformations de coiffure et un coup de maquillage, elle dévoile en sa « sœur » le portrait de la mère d’Irène.

Violette Polchi et Anne-Aurore Cochet, passée par le conservatoire de Caen, incarnent avec fraîcheur et naturel Marie-Blanche et Blanche-Marie. Leurs voix se mêlent et s’entrecroisent de façon très affûtée. Issu de la Maîtrise de Caen, Jean-Christophe Lanièce reprend le rôle de Gaston avec beaucoup d’aplomb. Son phrasé est exemplaire, comme celui d’Artavazd Sargsyan, Aristide irrésistible au faux-air de Richard Gotainer.

Le comique tient aussi beaucoup au jeu de Marie Lenormand en Madame Michu, forte femme impressionnée aussi par le gradé de marquis (Mathieu Dubroca); et Damien Bigourdan, gaffeur Monsieur Michu, dont la couardise se mesure en hauteur de ses intonations vocales. Ordonnance du général des Ifs, expert en liaisons « maltapropos », Bagnolet (Romain Dayez) ajoute à la drôlerie avec ses démarches « cartoonesques ».

Bien sûr, on pourra trouver dans l’œuvre quelques désuétudes propres à agacer le féminisme d’aujourd’hui. Il convient plutôt de s’en amuser comme y invitent Les Brigands, emportés par la musique lumineuse de Messager excellemment interprétée sous la conduite de Pierre Dumoussaud.

Représentations données au théâtre de Caen, dimanche 30 et lundi 31 décembre 2018.

The Beggar’s Opera: filoucratie à l’anglaise


Créé aux Bouffes du Nord, avant une longue tournée, « The Beggar’s Opera » vient de faire halte pour quatre soirs au théâtre de Caen. Créé ou plutôt recréé. Complices sur un bon nombre de productions, William Christie et Robert Carsen se sont emparés de l’ouvrage de John Gay et Johann Christoph Pepusch qui date de 1728. Le tandem le transpose dans le monde d’aujourd’hui. Le propos ne perd rien de sa charge impertinente, portée par une compagnie épatante et explosive.

Kate Batter (Polly Peachum), Beverley Klein (Mrs. Peachum), Olivia Brereton (Lucy Lockit)(Photo Patrick Berger)

! « The Beggar’s Opera » (L’opéra du gueux) répond à un genre, qui dans l’Angleterre du XVIII e siècle, réplique au style italien. On parle de « ballad opera » tant les mélodies populaires y tiennent une place. La satire, la critique sociale sont au cœur de ce qui s’assimile à un « défouloir » contre les puissants, à l’image des carnavals.

« L’opéra de quat’sous » de Kurt Weill et Bertold Brecht en est directement inspiré. Plus près de nous, le Canadien Robert Lepage en a fait une adaptation rock qu’on a pu voir, en 2004, au théâtre de Caen. Elle visait les dérives du show business. C’était saignant !

Evidemment, il pourrait y avoir tromperie sur la marchanMacheatdise. Déjà, avec l’appellation d’opéra inscrite dans le titre. Et surtout si elle est associée aux noms de William Christie et de Robert Carsen. Le tandem nous ont habitués à des œuvres lyriques d’un autre acabit.

Mais après tout, la tromperie est au cœur même du « Beggar’s Opera » ! L’ouvrage est peuplé de filous, de fripouilles, d’escrocs, de maquereaux, de poules et de gigolettes. Bref tout un monde de petits malfrats et de leurs michetonneuses mené par Macheath. Au sommet de la hiérarchie de cette pègre règne l’expérimenté Peachum.  Dans son entrepôt d’import-export (sic) s’accumulent les caisses de marchandises détournées, « tombées du camion », comme on dit.

Sur scène, un mur de cartons monte jusqu’aux cintres. Rien à voir avec une célèbre enseigne suédoise. On est dans le repaire de Peachum. Poursuivis par des sirènes hurlantes, s’y réfugient une bande de loubards, jogging et sweat à capuche. Du groupe se détache une poignée de musiciens. En un rien de temps, des emballages se transforment en pupitres.

Sur fond de corruption, l’intrigue se joue dans la rivalité entre Polly, la fille de Peachum, et Lucy, la progéniture de Lockit, chef de la police tout aussi peu recommandable. L’enjeu est Macheath. Les deux jeunes femmes se disputent le cœur du beau gosse, aveugles à son cynisme. Les deux beaux-pères présumés sont, eux, loin de trouver en lui la figure du gendre idéal. Chacun a de bonnes raisons de vouloir  lui faire la peau…

Des comédiens, chanteurs et danseurs débordant d’énergie (Photo Patrick Berger)

Avec des allusions aux Tories, au Brexit, Robert Carsen et le dialoguiste Ian Burton s’amusent à piquer de traits d’actualité un texte remodelé avec une bonne dose d’insolence à l’égard d’un monde où affaires et exemplaires riment en grimaçant. A la fois acteurs, danseurs, chanteurs, issus de l’école londonienne de la comédie musicale, les protagonistes de ce « Beggar’s Opera », se fondent à merveille dans la mise en scène dynamique de Carsen.

La distribution est au cordeau, tant par la présence de l’ensemble des participants que par leurs qualités scéniques. Une réserve cependant avec cette impression de formatage des voix chantées, un défaut trop fréquent dans les spectacles musicaux actuels. On fera une exception toutefois pour Kate Baker (Polly), dont le timbre se révèle parfois proche de celui de Joan Baez. Côté maturité, Robert Burt en impose sans forcer dans le rôle de Peachum. Et, drôle à souhait, Beverly Klein, son épouse sur scène, réincarne une Barge Simpson quand sa voix bascule vers le rauque.

Musicalement, les interprètes des Arts Florissants ajoutent au plaisir du spectacle avec un choix d’airs savants de compositeurs renommés (Purcell, Handel)  et de mélodies aux échos familiers. La dizaine de musiciens semble s’amuser autant que le public de cette fable à la morale pas très claire ! Si Macheath sauve sa tête, c’est à la faveur d’un renversement de gouvernement qui laisse sceptique sur la suite des événements. Mais ceci est une autre histoire…

The Beggar’s Opera, représentations données au théâtre de Caen, mardi 18, mercredi 19, jeudi 20 et vendredi 21 décembre 2018.

Le n°7 de Cambini-Paris: la note Haydn


Troisième saison et septième étape de leur Route 68, les Cambini-Paris étaient à nouveau, lundi, au théâtre de Caen. Julien Chauvin, Karine Crocquenoy, Pierre-Eric Nimylowycz et Atsushi Sakaï ont entrepris de jouer l’intégrale des quatuors de Joseph Haydn (1732-1809), à raison de trois concerts par an. Ce défi inédit les entraîne jusqu’en 2024… Un thème est abordé à chaque soirée. Cette fois, on a parlé de l’art du parfum.

Le Quatuor Cambini-Paris: (de gauche à droite, Pierre-Eric Nimylowycz, Atsushi  Sakaï, Karine Crocquenoy, Julien Chauvin (Photo Franck Juery)
Le Quatuor Cambini-Paris: (de gauche à droite, Pierre-Eric Nimylowycz, Atsushi Sakaï, Karine Crocquenoy, Julien Chauvin (Photo Franck Juery)

Les foyers du théâtre de Caen sont à peine assez grands pour contenir le public venu écouter le quatuor Cambini-Paris. Les plus avisés ont repéré la place de choix qu’offre le balcon juste au dessus, moins tant pour l’acoustique, partout d’excellent niveau, que pour bénéficier d’une vue plongeante sur les musiciens. Clément Lebrun, producteur à France Musique, est fidèle au rendez-vous pour présenter et commenter la soirée.

Comme d’habitude, trois quatuors sont au programme. Celui de ce concert n° 7 fait un grand pont dans la production du compositeur autrichien. On passe d’une de ses premières partitions (Opus 1 n°3) à l’une des dernières (Opus 76 n°4), choisie par tirage au sort lors du précédent concert. Quarante ans (1757-1797) les séparent. Entre, est retenu l’Opus 50 n° 2 (1787).

En répondant à une commande du baron Karl Joseph von Fürnberg, Haydn crée un genre nouveau inspiré du Divertimento baroque, à cette différence qu’il n’utilise aucun instrument à vent. Que des cordes, avec deux violons qui se répondent, tandis que violoncelle et alto assurent une base rythmique. Cinq mouvements se succèdent, qui sont autant de miniatures.

L’Opus 50 qui suit donne la mesure des apports trouvés par Haydn et qui enrichissent le genre. L’œuvre fait partie de « Quatuors prussiens », ainsi nommés en raison de leur dédicace au roi Frédéric-Guillaume II. On est frappé par la subtilité de l’agencement, « à partir d’idées simples », comme le souligne Clément Lebrun qui en retient aussi la légèreté et l’humour. Ainsi de ces ruptures dans le deuxième mouvement, qui s’apparentent à des hésitations ; ou, au contraire, de l’emballement du troisième et dernier mouvement.

Peut-on parler de musique comme on parle de parfum ? Certainement. Peut-on imaginer aussi quelles pouvaient être les odeurs dominantes, au XVIIIe siècle, dans un salon de musique par exemple ? Invitée sur l’initiative de la violoniste  Karine Crocquenoy, historienne spécialiste du parfum, Elisabeth de Feydeau fournit de passionnantes explications.

On ne qualifie pas encore de « nez » le créateur de parfum. Cette notion est associée au grands couturiers du XXe siècle dont la notoriété s’étend alors à des fragrances devenues mythiques pour certaines. A l’époque de Haydn, il revenait à un parfumeur (tout simplement) de devoir rendre un lieu agréable, d’y laisser un « sillage » par-dessus, entre autres, l’odeur des chandelles qu’on ne savait pas encore parfumer.

L’encens et la myrrhe _ qui renvoient aux rois mages _, l’essence de fleur d’oranger (le néroli) et l’amande amère (la fève tonka) sont les quatre notes dominantes alors. Mais s’amorce l’innovation des huiles essentielles qui s’affranchissent des saisons. Au petit exercice des correspondances entre parfum et musique, les Cambini traduisent par un accord en suspension les senteurs de la fève tonka, tandis que l’encens inspire au quatuor une ambiance plus minérale.

Mais c’est par une note qu’on qualifierait d’impressionniste que se présente l’Opus 76 n°4 en si bémol majeur. L’œuvre lui a valu de surnom de « Lever de soleil », d’où on peut imaginer des senteurs d’herbes mouillées par la rosée et dans l’air celles de pierres qui commencent à chauffer. Une fois que le soleil a commencé à émerger de l’horizon, le temps paraît brusquement se raccourcir, notamment l’été. Le troisième et dernier mouvement de l’Opus 76 joue de cette accélération virtuose. Son interprétation donne chaud au cœur.

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Concert du lundi 17 décembre 2018, au théâtre de Caen. Prochain rendez-vous de la Route 68, le mardi 8 janvier, 20 h. L’œuvre tirée au sort est l’Opus 64  n°3 en si bémol majeur. On y parlera aussi de la musique tsigane au temps de Haydn avec Iurie Morar, cymbaliste. semihi

« Decadance »: Welcome dans la Gagasphère

Deux soirées n’auront pas été de trop pour accueillir au théâtre de Caen la création emblématique d’Orad Naharin, « Decadance ». Interprété par compagnie junior du chorégraphe israélien _ Bathseva-The Young Ensemble _, le spectacle a emballé le public. L’Opéra de Paris vient d’inscrire la pièce dans son répertoire.

Photo Gadi Dagon

 Personnalité importante de la danse contemporaine, Orad Naharin est un catalyseur d’énergies. Il la développe dans une technique qu’il appelle « gaga ». Cassant les codes du ballet, elle met en œuvre toutes les parties corporelles capables de mouvement et donne au geste une expression détonante, jusqu’à l’éclat de rire général. Cette capacité de réaction évoque les curseurs lumineux sur l’écran de la console  d’un ingénieur du son.

« Decadance »en offre plusieurs exemples. Le ballet est composé d’extraits de créations qui jalonnent la carrière d’Orad Naharin. Ils constituent comme autant de piècesd’un puzzle et peuvent varier d’une représentation à l’autre. Le chorégraphe a imaginé la formule pour les dix ans de sa compagnie, en 2000. Le mot de « Decade » est l’exemple même du faux-ami. Il signifie en français« Décennie » et non pas une période de dix jours. Rien à voir non plus avec la « Décadanse » de Serge Gainsbourg.

Servie par dix-neuf jeunes interprètes explosifs d’énergie et aussi d’une grande maîtrise physique, la danse de Naharin se nourrit d’un large répertoire musical : airs traditionnels israéliens et arabes, mambo, cha cha cha, pop music, standards et mélodies de crooners. Il s’agit le plus souvent d’arrangements avec un son de rythmique poussé. Pieds nus, avec juste-au-corps, tee-shirts et jeans aux couleurs pastel, les danseuses et danseurs enchaînent les figures sans guère derépit.

Si, peut être, lorsqu’apparaissant en costume et chapeau noirs, tels de juifs orthodoxes, elles et ils invitent plusieurs spectateurs à monter sur scène et les entraînent dans une danse somme toute désordonnée. C’est sympathique,  mais on n’en voit pas trop l’utilité quand succède un des morceaux de bravoure de la soirée, tiré  d’« Anaphse », une des premières chorégraphies de Naharin, qui lui valut les foudres des religieux.

Photo Gadi Dagon

Toujours habillés de sombre, assis sur des chaises disposées en demi cercle, les interprètes chantent le « Echad Mi Yodea », sorte de comptine qui énumère de un à treize les enseignements juifs communs. Au terme de chaque strophe, ils se lèvent et sautent l’un après l’autre traçant ainsi dans l’espace une sorte de vague qui fait tomber en bout de chaîne le dernier des leurs. Et ainsi de suite jusqu’à finir en sous-vêtements en envoyant balader au milieu de la scène chaussures, chapeaux, vestons, chemises et pantalons… Comme d’un geste libérateur.

 Représentations données au théâtre de Caen, le mardi 4 et le mercredi 5 décembre 2018.

Les Fourberies de Scapin: l’affaire est dans le sac


La troupe dela Comédie française termine au théâtre de Caen une tournée avec « Les Fourberies de Scapin » dans une mise en scène de Denis Podalydès. L’esprit de Molière qui souffle dans l’illustre maison se trouve là merveilleusement ravivé sous la conduite de Benjamin Lavernhe et de Didier Sandre. En Scapin et en Géronte, les deux comédiens forment un duo détonant. A voir jusqu’à vendredi.

-Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE

 Un fond de cale, l’escalier d’une jetée en bois, un panier à crustacés, un palan; en arrièreplan, la grande reproduction d’une marine avec une galiote, voiles déployées. On est dans le port de Naples, où le retour prématuré de leurs pères respectifs, Arganteet Géronte, menace les situations d’Octave et de Léandre. Les deux jeunes gens savent les intentions paternelles d’un mariage arrangé pour l’un comme pour l’autre.

Or Octave a déjà bravé l’autorité du géniteur. Il a épousé la belle Hyacinthe. Léandre  est, lui, amoureux de Zerbinette, une jolie diseuse de bonne aventure. Il persuade Scapin, son valet, de leur venir en aide. L’idée est de soutirer de l’argent aux deux pères pour assurer aux deux couples une position conforme à leurs amours. Seulement, Argante et Géronte sont comme des camarades de promotion d’Harpagon : de véritables grippe-sous.

 Le filou de Scapin déploie tous ses talents de bonimenteurs pour embobiner les vieux. A Géronte, le plus dur à la détente, il sort une histoire d’enlèvement et de rançon, qui vaut de la bouche du parcimonieux cette lamentation fameuse : « Que diable allait-il faire dans cette galère ? » Léandre et Scapin sont censé savoir répondu à l’invitationde monter sur un navire turc. A leur insu, le bateau s’est éloigné du port. Le valet a été lâché sur une petite embarcation avec pour mission de revenir sans délai avec de l’argent.

Scapin fait payer les atermoiements de Géronte  par quelques solides corrections. Il convainc le père de Léandre de se cacher dansun grand sac, au prétexte qu’on cherche à lui régler son compte, Puis, il fait croire que ces poursuivants soupçonnent sa présence pour dépoussiérer la toile de  jute à grands coups de bâtons! L’énergie incroyable de Benjamin Lavernhe en Scapin efflanqué fait monter la scène à des sommets comiques.

Denis Podalydès en déploie tous les ressorts. Ils vont des procédés de  la commedia dell’arte aux trouvailles d’un Charlie Chaplin et autres mimiques d’un Louis de Funès. En passant par les méthodes de Guignol. On se retrouve devant le castelet du marionnettiste, quand le comédien invite le public à appeler Géronte ou lorsqu’il confie le bâton à un enfant du premier rang.

L’excellent Didier Sandre incarne le malheureux Géronte, dont l’embonpoint n’amortit que peu les agressions répétées. Jamais deux sans trois. C’est quand même à la troisième reprise que, suspicieux de la réalité d’une patrouille de spadassins,il sort du sac la tête toute meurtrie. Scapin ne s’en aperçoit pas tout desuite, concentré qu’il est à imiter bruits et voix…

Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE

Avec ce Scapin, Molière s’est en quelque sorte lâché, inspiré dit-on par la personnalité de Scaramouche. Le bandit napolitain fait partie de ces héros populaires qui jalonnent l’histoire. Ils sont, plus ou moins fantasmés, ces redresseurs de torts, aux dépens des puissants. En ce sens, le bourgeois Géronte n’est pas ménagé. Molière ajoute une deuxième couche d’humiliation.

 C’est  Zerbinette qui s’en charge. En toute innocence, car elle ignore l’identité de l’infortuné (il a été délesté de 500 écus !). Campée par  Elise Lhomeau, elle lui dévoile, avec abondance de rires en cascade, le stratagème dont il est victime. Somme toute, comme il faut bien une fin, les deux couples se trouvent assortis, ainsi qu’Argante et Géronte le souhaitaient

 Sans douteMolière a-t-il expédié la conclusion de l’histoire. Il est à deux ans de la fin de sa vie quand il écrit Les Fourberies avec un Scapin que rien n’arrête. L’auteur se plaît à secouer les tabous sur le mariage en plaçant d’entrée une union libre. De même, il confère à Zerbinette une personnalité de jeune femme affranchie. Il se découvre à la fin qu’elle est la fille même d’Argante enlevée il y a des années par des pirates égyptiens. Ce qui a précipité le consentement de son père.

De tous ses aspects, Denis Podalydès se joue avec gourmandise au fil de tableaux irréprochables. Y contribuent la scénographie du patron, Eric Ruf, les costumes signés Christian Lacroix, sous les lumières subtiles de Stéphanie Daniel. Bref, la qualité Comédie française à laquelle participent les rôle tenus par Birane Ba (Octave) ;Bakary Sangaré (Silvestre) ; Gilles David (Argante) ; Jennifer Decker(Hyacinthe) ; Jean Chevalier (Léandre) ; Maïka Louakairim (Carle) ;Aude Rouanet (Nérine).

Représentations données au théâtre de Caen, du mardi 11 au vendredi 14 décembre 2018.

« Tarare »: « N’avez pas vu Irza?


Avec« Tarare », Christophe Rousset et ses Talens Lyriques  concluent un cycle de trois opéras écrits en français d’Antonio Salieri. L’œuvre traversée par la plume prémonitoire de Beaumarchais (on est à deux ans de la Révolution de 1789) a été jouée au théâtre de Caen. Servie en version de concert par une distribution de premier plan et le concours des Chantres du Centre de musique baroque de Versailles, elle a été chaleureusement accueillie.

 On a souvent placé Salieri dans l’ombre de son génial contemporain, Mozart.  Par delà une rivalité, exagérément mise enavant, on ne peut dénier au compositeur italien des talents d’écriture qu’ildéploya au fil d’une quarantaine d’ouvrages lyriques, notamment. Il vécut aussi deux fois plus longtemps que Wolfgang Amadeus.

 « Tarare »est le troisième des opéras français de Salieri après « Les Danaïdes »(1784) et « Les Horaces » (1786). Christophe Rousset a entrepris de leur redonner vie. La dernière étape de ce projet donne lieu à plusieursconcerts. Ainsi au théâtre de Caen, qui a pu faire fête à l’enfant du pays, CyrilleDubois. L’ancien maîtrisien est aujourd’hui un ténor fort demandé sur la scènelyrique.

C’est luiqui tient le rôle-titre dans cette intrigue, dont on se demande toujourscomment elle a pu échapper aux mailles de la censure royale. Car le livret est une irrévérence pas du tout feutrée contre un pouvoir absolu et un religieux à sa botte. Beaumarchais la situe dans un pays imaginaire, qui tient à la fois de la Perse et de l’Inde.

Atar domine sur le royaume d’Ormuz. Le sultan nourrit une jalousie féroce à l’égard de Tarare  le chef de sa milice. Elle tient autant à la popularité du soldat, modèle d’altruisme, qu’à la personne de belle Astasie qui n’a que le tort de l’aimer. Atar fait enlever la jeune femme, forcée d’intégrer le sérail sous le nom d’Irza. A partir de là, se croisent intrigues, quiproquos et rebondissements, à travers lesquels le livret distille ses charges contre un pouvoir total et solitaire. La fusion des deux adjectifs fait « totalitaire ».

 Au fil de lareprésentation, certaines répliques font écho au climat social de cet automne mouvementé et à quelques propos de ronds-points. A prendre par le sourire évidemment. Comparaison n’est pas raison. En tout cas, Jean-Sébastien Bou incarne parfaitement l’impétueux Atar, capricieux et colérique « Iznogoud »,qui ne se satisferait pas encore d’être calife à la place du calife !

 Sa voix expressive et puissante contraste avec le timbre clair de Cyrille Dubois dans une personnification vertueuse. Le ténor affronte sans coup férir récit et conjuration musicalement redoutables. En Astasie/Irza, La mezzo-soprano KarineDeshayes est toujours aussi superbe d’assurance, mêlée de tragique et de charme.

Dans le rôle de Calpigi serviteur d’Altar, mais aussi proche de Tarare,  Enguerrand De Hys se trouve sur une ligne de crête, sur laquelle il évolue tel un funambule. La drôlerie de ses mimiques aussi discrètes qu’expressives tient de prologue à une qualité constante de chant. Son alter ego féminin, Judith Van Wanroij (Spinette), pétille de ses aigus expressifs.

L’intonation profonde, alliée à une excellente diction (comme tous) de Tassis Christoyannis confère au rôle du grand prêtre Arthénée une solennité, qui contraste avec la réalité d’un personnage corrompu. Jérôme Boutillier, se révèle un excellent Urson, capitaine des gardes d’Atar, quand il raconte au despote le duel entre Tarare et Altamort.

Le fils d’Arthénée, rival du héros, doit à l’interprétation de Philippe-Nicolas Martin une incarnation fougueuse. Un nom à suivre, comme celui de Jérôme Boutillier ou celui de Danoé Monnié. Un temps sortie du chœur des Chantres du Centre de musique baroque de Versailles, la jeune soprano révèle un timbre tout de fraîcheur et de sensibilité, un peu masqué quand même dans un duo avec Judith Van Wanroij.

Le chœur justement. Il offre une réplique impeccable de bout en bout aux solistes dans une orchestration menée avec maestria par Christophe Rousset. Que l’on vous dise quand même que l’opéra se termine bien. Tarare retrouve sa bien-aimée Irza, pardon Astasie, et se voit malgré lui, par la force d’un peuple unanime, devoir régner « par les lois et par l’équité ».

Représentation donnée le dimanche 9 décembre au théâtre de Caen.